Tamara Grinberg

TUE-SUN | 11 am - 5pm
27.04.24 - 14.07.24 | Free entry

Fotografías: Nicolás Villalobos

This work has gone through a long and intricate road before getting to be exhibited. Tamara Grinberg came up against the same answer once and again: “It’s a difficult issue, no one will be interested in exhibiting it, no one will be interested in seeing it”. It is indeed a difficult issue. This photo essay, carried out between 2016 and 2019, shows the remains of the venue that witnessed the crimes committed by the priest Julio César Grassi, sentenced and imprisoned for sexual abuse and corruption of minors in the context of the charitable undertaking known as The Happy Children Foundation.

In fact, this work not only condenses just one but many rough issues because of which Tamara kept receiving negative answers: sexual abuse of children and adolescents by priests, the role of the Church in relation to the impunity of those acts and the thick framework of political and economic power which covered up this situation at the end of the 90s.

Even though this emblematic case was burnt into our collective memory because it was broadly presented in the mass media, it is also one more example of a systematic practice that, unfortunately, persists to this day.

After being faced with repeated negative responses, instead of giving up, Tamara gathered even more momentum, which, together with her perseverance, led her to find the right place for the project in the PAyS Hall.

From the very beginning, her main objective was for the story to gain visibility and, in that sense, finally getting to exhibit it gives it full significance. And, even though the denouncing dimension that runs through the essay is unavoidable, Tamara does not approach it in a documentary fashion but rather builds a sort of poetic fiction that lets us see the traces of the unspeakable.

“My intention was to record sensations; rather than reporting the condition the place is in, how it is falling down, I wanted to capture that feeling of choking, of enclosure, of silence and of great symbolic violence.”

There is something that feels like a horror movie in Tamara’s work. It’s not a coincidence that, when she is asked about her mentors, beside mentioning Helen Zout and Juan
Travnik, she refers with a strong emphasis to The Blair Witch Project, that independent horror movie that, almost at the close of the twentieth century, left a mark on a whole generation. The film tells the story of three film students who go deep into the forest to narrate the myth of the Blair Witch and end up being devoured by nature. But, in spite of that, their filmic testimony outlives them in the movie.

Just like them, Tamara becomes an explorer of the place, she walks around it, gets lost in it to find traces and hints of what it once was: a three-meter-tall virgin, a spotless and apparently never visited chapel, an abandoned school bus, warehouses, trucks and wagons that today lie below the menacing and devouring power of nature. As in a time loop, the images that Tamara brings to us are also testimony of what happened there.

And, just like that peculiar and disruptive film, it hints at what happened even though we cannot see it.

What a body can do it’s a project produced by the Parque de la Memoria, that depends on the Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Derechos Humanos del GCBA.

TUE-SUN, 11 am a 5 pm
Free entry


Cecilia Nisembaum


Entrecruces de la memoria 1979-2020

Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs.
Hasta el 14 de julio | Entrada libre y gratuita

Fotografías: Nicolás Villalobos

This is the first Latin American retrospective of Lotty Rosenfeld’s work. Rosenfeld (1943- 2020) was a Chilean artist whose work was decisive in the conceptual reformulation of the links between art and politics in times of darkness and fear.

This exhibition includes a selection of individual pieces by the artist and highlights her participation in CADA (Colectivo Acciones de Arte / Art Actions Collective) as well as her collaboration with feminist women organizations. Well into the military dictatorship, Lotty crouched down on the pavement to intervene the axes of the roadway that order traffic and mark a cross. Her gesture of disrespect in a public space aimed at questioning in a metaphorical manner the authoritarianism of control systems and the social disciplining mechanisms that regulate behaviors. Rosenfeld
combined urban interventions with video installations, innovating through the use of recording, editing and montage technologies, which are a central theme of her archive.

During her entire lifetime, the aesthetic power of Lotty Rosenfeld’s disobedient gesture used the cross (+) to break the functionality of signs, opening vanishing lines that activate critical dissent in a world that has been uniformed by the media and how it has shaped neoliberal culture. In a permanent dialogue and confrontation with the political and ideological turns that mark international events, Rosenfeld’s imagery picks the peripheral traces of bodies that have been crossed by historic tragedies, racial and ethnic conflicts, migration tensions, war dramas, existential precariousness, gender domination and identity revolts.

Lotty Rosenfeld worked obsessively with the tormented memory of the Chilean dictatorship: with the documentary and testimonial pieces of a past of fight and defeat which her irreplaceable legacy brings to us today, as a shelter and warning against the erasing that is taking place in the present and attempts at dissolving every form of social historicity. Lotty Rosenfeld’s work is an example of how to move artistic imagination and critical memory to turn them into a part of the communal evolution of new emancipated subjectivities.

Nelly Richard – Mariairis Flores.

Lotty Rosenfeld. Entrecruces de la memoria 1979-2020 es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Derechos Humanos del GCBA. Fue posible gracias al fundamental apoyo de la Embajada de Chile en Argentina; Varinia Brodsky, Directora del Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile; y Alejandra Coz Rosenfeld, Directora de la Fundación Lotty Rosenfeld.

MAR-SUN 11am to 5 pm
Free entry 


Nelly Richard


Mariaris Flores


Political imagination after the 2001 outbreak

08.12.23 - 02.04.24

Fotografías: Lina M. Etchesuri

When it comes to the historical events related to the popular riots of December 19 and 20, 2001, a major contradiction arises: in the midst of an abysmal economic crisis, the most outstanding social creativity is unleashed.

It was during the course of a decade of state dismantling in which jobs were privatized and closed down all over the country that unemployed movements, assemblies and soup kitchens in the heat of bonfires, and roadblocks sprang up.

The response of the government was fiercely repressive: it decreed a state of siege, which resulted in 39 deaths and hundreds of injured people. In response, the protests multiplied, chanting for solidarity: “Piquete y cacerola, la lucha es una sola” [Picket and pan, the struggle is only one].

In a sequence that began with Fernando De La Rúa fleeing by helicopter, five presidents passed through the Casa Rosada in just eleven days. The people multiplied the protests, organizing and marching massively, and in the main urban centers there were popular assemblies that established an unprecedented exercise of direct and participative democracy.

An image that sums up this social feeling was that of those families who decided to take a summer vacation at their bank branch with deck chairs and sunscreen, in a spontaneous and desperate performance to call public attention to the banks’ capturing of their savings. This source of social creativity also spread to worker recovered enterprises, barter clubs and multiple experiences that came up with solidarity-based forms of exchange and cooperation, giving rise to protest repertoires deployed by social movements, artists and cultural collectives that occupied the public space.

In the time scale of history, a span of just two decades may seem fleeting. Today, a new crisis is once again sweeping the country and like an inverted rewriting—it is hard to imagine a greater contrast between the 2001 outbreak and the current situation.

This exhibition seeks to shake the present by resorting to that laboratory of political, economic, cultural, artistic, and emotional experimentation that enabled alternative ways of life in the midst of that vertiginous and vibrant context. If anything encourages this project, it is the ambition that this bursting past, with its precarious gleams and disruptive powers, may contribute to opening new forms of action in the present and gaps in the future, to glimpse possibilities of life in common, summoning up with dignified rage the complex memory of that fragile but also moving beauty.

The future behind. Political imagination after the 2001 outbreak is a project produced by the Parque de la Memoria, who depends from the Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA. Is part of the results of  “Después del estallido” (Convocatoria CONICET/Museos), research carried out by the group “Arte, Cultura y Política en la Argentina reciente” (IIGG FSOC-UBA) together with the Museo Histórico Nacional.

Curaduría general:

Nicolás Cuello / Marilé Di Filippo / Cecilia Iida / Ana Longoni / Ramiro Manduca / Magdalena Pérez Balbi / Alejandro Thornton

Curaduría fotográfica y audiovisual:

Cora Gamarnik / Maximiliano de la Puente / Guillermo Sánchez

Investigadores colaboradores:

Lucía Cañada / Santiago Mazzuchini

Alejandro Thornton
Alejo Hoijman
Alex Portugheis
Alicia Herrero
Ana Maldonado
Archivo de la Memoria Trans
Arde Arte
Arte por Libertad, Arte y Confección: semana cultural por Brukman
Avi Lewis y Naomi Klein
Carla Thompson
Ceramicazo – Semana de Zanón en Plaza Congreso
Colectivo Boedo Films + Contraimagen + Kino Nuestra Lucha
Colectivo Potlach
Costuras Urbanas
Cristina Piffer y Hugo Vidal
Cristina Schiavi
Damián Finvard
El Barrio TV
En Movimiento TV
Movimiento Popular la Dignidad
El Hormigazo
Emiliana Miguelez
Enrique García Medina
FaSinPat (Fábrica sin Patrones – Cerámicas Zanón)
Flor Vespignani
Gala Abramovich y Dan Damelio

Grupo de Arte Callejero Periferia
Grupo La Grieta
Grupo Trasmargen
Gustavo Larsen
Gustavo Laskier
HIJOS La Plata
Javier del Olmo
Javier Gramuglia
Jorge Gustavo Torres (Maka)
Karina Granieri
Lucía Merle
María Causa
Mariano Espinosa
Mariela Scafati
Martín Lucesole
Maximiliano Kosteki
Maxie Amena y Verónica Iglesias
Nicolás Pousthomis
Pablo Ares y Juan Martín Biderman
Pablo Piovano
Partido Transportista de Votantes (PTV)
Patricio Escobar
Pepe Mateos
Pobres Diablos
Proyecto Venus
Sergio Goya
Silvia Hernández
Taller Popular de Serigrafía
Tony Valdez
Trabajadoras de Brukman
Victoria Gesualdi
Zucoa Noes


Gerardo Goldwasser

08.12.23 - 02.04.24

Fotografías: Lina M. Etchesuri

I believe that all weapons are disastrous. I am a pacifist.
I’m not crazy. I believe that no war is justified.
There are no victories, there are only defeats.
Every victory is a defeat from the moment one man kills another.
Jorge Luis Borges

In 2022, from Uruguay, Gerardo Goldwasser’s work proposed at the 59th Venice Biennale for the whole world a critical reflection that brings to the foreground a basic but complex aspect of human societies: the ways of disguising and exhibiting bodies, of disciplining and distinguishing them. The issue raised by his work refers to the ways in which human beings conceive themselves as personae by constructing their appearance, their way of coming on stage every day of their lives: the etymology of the concept refers to classical theater, “actor’s mask” would be its first meaning.2 This
mask is at the origin of the culture of dressing.

Since his first solo exhibition in 1985 at the Goethe Institute in Montevideo, Goldwasser’s vast and recognized trajectory has been linked to tailoring: as a craft, as a form of drawing subject to specific rules, as a repetition, and as an institution of norms, all linked to memory and trauma traced back to his family history. His work is constructed on the basis of a German tailoring handbook inherited from his
grandfather, a Jewish tailor who managed to survive the Nazi concentration camp of Buchenwald thanks to his trade, making uniforms, and thus arrived in Uruguay. A constant in Goldwasser’s work is the overwhelming presence of the absence of color. In this installation for the Parque de la Memoria, the wall entirely occupied by layered black cloth cutouts and the tailor’s molds arranging every chink appear as a black nightmare that dialogues with the Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado. A long series of left sleeves occupying the entrance corridor proposes a critical allusion to the will of absolute domination implicit not only in the design of the uniforms, but also in the salute of the uniformed Nazi crowds (El saludo, 2010-2023).

The space of the perfectly empty room highlights the intolerable and uniformizing pressure of the molds on its walls.

In a new context of global crisis caused by climate change, post-pandemic times, the proliferation of new wars, and the danger of extinction of our species—the only one capable of extinguishing all others, of extinguishing everything—this exhibition of strong humanist and pacifist character confronts us with past and present projects that seek to transform human beings into infallible, punctual, orderly, obedient machines, builders and at the same time destroyers of everything that is not useful or disciplinable.

Gerardo Goldwasser’s Memorial is an invitation to remember and also to reflect on the doubts which pervade the sciences, the arts and the myths of our time—in black and white, as in that anonymous tailoring handbook he inherited from his grandfather, with no edition data. It also invites us to look  critically at the present and to imagine new ways of situating ourselves in a future perceived to be threatened by new wars, ideologies and uniformizing and destructive technologies.


Laura Malosetti Costa y Pablo Uribe



Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs.
Hasta el 12 de diciembre
Entrada libre y gratuita

Fotografía: Pantone, 2023. Fragmentos de óleo s/tela (1940-1970), sumergidos en esmalte sintético color s/madera, pegamento, tachuelas y marco de metal.

Con la premisa de crear a partir de lo existente para preguntarse sobre los modos de producción, circulación y consumo de objetos socioculturales, José Luis Landet recupera, colecciona y transforma imágenes y materiales para reintroducirlos en otro registro: el de la obra artística. La visión detrás, la nueva exposición del Parque de la Memoria, reúne el inmenso archivo que el artista construyó a lo largo de su carrera e invita a conectarse con acciones sociales, políticas e ideológicas del pasado que permanecen vigentes.

Esta exhibición abarca una frondosa producción cuyo punto de partida fueron residuos: desde pinturas de artistas amateurs compradas en los mercados de pulgas hasta viejas enciclopedias heredadas, revistas, libros, memorabilia de los movimientos políticos de izquierda del s. XX y fotografías olvidadas.

Así, la memoria cobra un rol fundamental. Rescatados del pasado, estos productos habilitan nuevos sentidos en el presente permitiendo, de esta manera, alterar la temporalidad. Luego de haber sido consumidos y desechados, reaparecen aquí bajo otras sensibilidades.

Si el archivo es uno de los grandes pilares sobre los que se sostiene la obra de Landet, la ficción es el otro. A través de preguntas que le hace a los materiales sobre los que interviene, indaga en posibles identidades de los personajes que allí surgen. En un trabajo transversal con La Bomba de Humo, un grupo de improvisación teatral, llevaron estas figuras al campo de la expresión corporal. En el marco de La visión detrás, habrá dos funciones de entrada libre y gratuita, una en la inauguración y otra en el transcurso del mes de octubre.

La visión detrás es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA, y contó con el apoyo de W-Galería.

La exposición permanecerá abierta al público de martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs, con entrada libre y gratuita.

Texto curatorial:

Tania Puente


Marcela astorga

Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs.
Hasta el 12 de noviembre
Entrada libre y gratuita

Fotografía: Marcela Astorga. Sin título, 2023. Boceto

Si la piel, el órgano sensorial más extenso del cuerpo, es el punto de partida de la obra de Marcela Astorga, en Desatando la línea de tiempo, su nueva exposición producida por y para el Parque de la Memoria, la artista se propone despertar la percepción sensitiva de quienes la visiten.

La piel protege pero también necesita ser protegida. Cubre, y a su vez, está marcada. Con sus huellas lleva el registro del paso del tiempo, como un archivo de la vida. Es esta múltiple materialidad la que Astorga explora en la exhibición, que cuenta con la curaduría de Silvia Rottenberg y presenta obras realizadas in situ.

A través de objetos, instalaciones, fotografías, acciones, videos y collages, Astorga construye una poética en la que la existencia de un cuerpo es crucial, una poética que no se sostiene sin una piel.

Mediante el cuero, la lana o las cerdas de caballo aborda diferentes niveles de la piel que ella misma desarrolló a lo largo de su carrera, y reconfigura diferentes materiales en formas diversas.

En el cruce entre la temporalidad y la piel, la artista aborda la trascendencia de la memoria. Haciéndose eco de la arquitectura de la Sala PAyS, el sitio que alberga a la muestra, interviene el espacio para hacerlo parte de su producción artística.

Desatando la línea de tiempo es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA, y contó con el apoyo de Mondriaan Fonds.

La exposición permanecerá abierta al público de martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs, con entrada libre y gratuita.


Silvia Rottemberg



Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs
Hasta el 16.07.23
Entrada libre y gratuita

Imagen de portada: Enrique Ramírez

El mar es cambio y permanencia. Es estructura pero es también una fuerza transformadora. Es manso y turbulento; simboliza a la vez lo invariable y lo nefímero. Esa ambivalencia es lo que permite a Enrique Ramírez, artista chileno radicado en París, reflexionar sobre la historia reciente, la memoria, las ausencias y, también, sobre la unión de culturas, la diversidad y las diferencias.

A 50 años del golpe de Estado que derrocó a Salvador Allende, el Parque de la Memoria presenta El imposible paisaje, una exposición de Enrique Ramírez curada por Florencia Battiti que echa raíces en la memoria de la violencia política de Chile, país que el artista dejó para radicarse en Francia, y que le permitió trabajar sobre los exilios y las distancias; los desencuentros y los reencuentros; las pérdidas y los olvidos.

Su trabajo combina lenguajes visuales y cruces de disciplinas artísticas que abarcan una frondosa producción que se mueve entre el cine, la fotografía y la poesía. Su obra se constituye así con imágenes, videos e instalaciones en torno a los mares. Al lado del Río de la Plata, destino fatal de muchas de las víctimas del terrorismo de Estado en Argentina, esta significación cobra especial relevancia. Battiti afirma: “Cuando Ramírez se detiene en las palabras de Cecilia De Vicenti, hija de Azucena Villaflor, una de las fundadoras de Madres de Plaza de Mayo, quien buscando a su hijo Néstor fue detenida y luego desaparecida, ya no caben dudas de que bajo su mirada el mar se imanta de metáforas y se abre paso desde el pasado hacia el futuro: ‘Me mostraron donde estuvo mi mamá y fui a la costa entre Santa Teresita y San Bernardo. Tengo que agradecerle al mar que trajo a mi madre. De hecho tengo un hijo guardavidas. El mar me trajo la historia’”.

De esta manera, esta exposición es una invitación a rememorar y a conectar la historia chilena con la argentina; a sumergirse en las experiencias que proponen el mar, y también el arte. Atravesados por la inmensidad y la calma, suscitan emociones que permiten reflexionar sobre el dolor, las uniones, la dualidad y las ausencias.

El imposible paisaje es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Derechos  Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA, con la colaboración de la Escuela Superior de Fotografía de Arles, el Instituto Francés en la Argentina —dependiente de la Embajada de Francia—y ADAGP.

La exposición permanecerá abierta al público de martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs, con entrada libre y gratuita hasta el 16 de julio. 


Florencia Battiti


Martes a viernes de 11 a 17 hs. / Sábados y domingos de 12 a 18 hs.
Hasta el 05.03.23 / Entrada libre y gratuita

¿De qué manera construir un lenguaje común entre dos países distantes como Argentina y la República de Corea? ¿Cuál es el estado actual de los valores democráticos y de los derechos humanos ante las amenazas que atentan contra su sostenibilidad?

El Parque de la Memoria presenta Mitos del futuro próximo, una exposición curada por Sofía Dourron y Javier Villa que llega a Buenos Aires luego de exhibirse en el Asia Culture Center de Gwangju, República de Corea.

Esta muestra conmemora el 40° Aniversario de la Masacre de Gwangju, también conocida como 18 de Mayo. En esa fecha se dio un levantamiento popular conformado por estudiantes, activistas, trabajadorxs, ciudadanxs, hombres, mujeres y niñxs para resistir al asedio militar; que fue fundamental en el avance de la República de Corea hacia la democracia.

Con diversos puntos de contacto entre ambos países y su historia reciente —la crudeza de la violencia ejercida por el terrorismo de Estado, la resistencia de la sociedad civil y su lucha en defensa de la democracia, el trabajo por mantener viva la memoria—, ocho artistas argentinxs y coreanxs revisan activa y poéticamente películas militantes de finales de los años 60, viejas canciones de protesta coreanas, técnicas artesanales degradadas, archivos abandonados y rituales chamánicos para revisitar la historia.

Desde la clonación de árboles de palta que rodean el centro clandestino de detención, tortura y exterminio de la ex Escuela de Mecánica de la Armada en Buenos Aires hasta la proyección de la película People, the Next People, que traza un hilo entre la persistente representación de rostros en el imaginario del Minjung Art como medio de resistencia contra el terrorismo de Estado y la explotación de la imagen del individuo a partir de la auto-exposición y la selfie —entre otros—, los proyectos incluidos indagan en archivos de la memoria para plantearse la posibilidad de pensar al arte como un ejercicio de imaginación política que genere nuevas visiones y rituales para la convivencia democrática.

Lxs artistas que integran esta exposición (Lucrecia Lionti, Eduardo Molinari, Agustina Triquell, Adrián Villar Rojas; Choi Yun, Lee Minwhee, Hong Young In, Im Heung-Soon y Part-Time Suite) creen en el poder de la ficción para defender o revisar una ideología heredada y sus relatos: en el territorio de la ficción, la información puede convertirse en mito y los mitos pueden convertirse en herramientas eficaces para sostener las ideologías en el ámbito público.

De esta manera, su objetivo es investigar el legado del 18 de Mayo en Corea, así como su relación con otros movimientos democráticos en distintas partes del mundo, haciendo partícipe al público: la artista coreana Young In Hong realizará durante la inauguración la performance 5100:Pentagon, una coreografía que fue creada a partir de imágenes de cuerpxs y posturas encontradas en los archivos del movimiento democrático de la ciudad de Gwangju y que se realizará por única vez en la explanada de la Sala PAyS del Parque de la Memoria el viernes 2 de diciembre del 2022 a las 19 hs.

En el marco de las actividades realizadas para celebrar el 60 aniversario de las relaciones diplomáticas bilaterales entre Argentina y la República de Corea, Mitos del futuro próximo podrá visitarse desde el 2 de diciembre del 2022 hasta el 5 de marzo del 2023.

Mitos del futuro próximo es un proyecto presentado por la Ciudad Metropolitana de Gwangju, organizado por la Fundación Bienal de Gwangju y co-producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA, que contó con el apoyo del Centro Cultural Coreano y de la Embajada de Corea.


Sofía Dourron y Javier Villa

Lucrecia Lionti
Eduardo Molinari
Agustina Triquell
Adrián Villar Rojas

Choi Yun
Lee Minwhee
Hong Young In
Im Heung-Soon
Part-Time Suite



Martes a viernes de 11 a 17 hs. / Sábados y domingos de 11 a 18 hs.
Hasta el 05.03.23 / Entrada libre y gratuita

El vínculo de Ana Tiscornia con la arquitectura y la modernidad son el punto de partida de De este a oeste y de norte a sur, la nueva exposición que se inaugurará en el Parque de la Memoria el próximo viernes 2 de diciembre.

Curada por Florencia Battiti, la obra incluye instalaciones, collages, ensamblajes, pintura, libros y fotografía que le permiten a la artista elaborar metáforas sobre los constantes ciclos de construcción, destrucción, pérdida y reconstrucción que sufre la humanidad. El desplazamiento, la fisura, la incertidumbre y la repetición son constantes de su trabajo.

Dos experiencias en su infancia determinaron su futuro: la edificación de una casa vecina a la suya y haber tenido un tío arquitecto. En Montevideo, y al calor de la efervescencia cultural uruguaya, comenzó a estudiar arquitectura, formación que fue interrumpida por la llegada de la dictadura militar a Uruguay en 1973. Paulatinamente, abrió sus horizontes y se desarrolló en otras artes como las plásticas y el grabado. Esa apertura generó también transformaciones en su visión en torno a la modernidad.

La inmersión en actividades diversas propició una perspectiva crítica que, en un contexto más experimental y renovador que en la pos dictadura, se le reveló más “situacionista” y crítica de esa modernidad. Esta dialéctica entre los principios en los que se formó y un presente que los cuestionaba funcionaron como una brújula que se condensan ahora en el nombre que lleva esta exposición.

Ya desde el activismo político que abrazó a fines de los sesenta y principios de los setenta, Tiscornia se aferró a la idea de un activismo cultural que se fue diversificando a lo largo de los años. Luego del 2001, su atención a los conflictos mundiales, las migraciones masivas y los “daños colaterales” de las guerras se sumaron a sus previas inquietudes.

Todo ese derrotero, que confluye en el colapso de la utopía modernista, la llevaron cada vez más a usar un lenguaje anclado en la arquitectura. La búsqueda de construir en medio de la catástrofe establece de esta manera una especie de cartografía del olvido.

Así, De este a oeste y de norte a sur articula pasado y presente, arte y arquitectura, memoria y olvido, práctica y teoría, delicadamente hilvanados en el proyecto poético de una artista que asume y se aproxima a la pérdida pero con un gesto esperanzador.

De este a oeste y de norte a sur es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del GCBA.


Florencia Battiti