PROYECTO AFICHES 2026

Adolescencia y pantallas

Después de muchas décadas de optimismo tecnológico, ponderando la posibilidad de comunicarnos, compartir bienes culturales o encontrar comunidades afines en línea, estamos atravesando una nueva instancia en la que muchos especialistas advierten sobre las consecuencias en la salud del uso excesivo de pantallas. La proliferación de discursos más diversos en torno a lo que sucede online nos ayuda a construir una postura más crítica y reflexiva al respecto.

Comenzamos a ver algunos efectos negativos claros de la hiperconexión: la dependencia a los dispositivos, el impacto en nuestra capacidad de atención o en la calidad de nuestro sueño, la baja tolerancia a la frustración y la ansiedad que generan la necesidad de respuestas inmediatas o la violencia a la que somos expuestos desde muy temprano, entre otras. Hoy sentimos que hay algo excesivo, y que nos cuesta poner un límite. 

Si bien es cierto que la humanidad y la tecnología siempre se vincularon, y que no es la primera vez que los cambios tecnológicos despertaron discursos que oscilaron entre el optimismo y la alerta, es pertinente afinar la mirada y preguntarnos por lo que tienen de particular las tecnologías actuales y qué estilos de vida estimulan. Arriesgamos algunas claves y motivamos algunas preguntas para definirla, como la convergencia de muchas funciones en una (el “teléfono” hace tiempo excede la función de hacer y recibir llamadas y concentra múltiples funciones y hábitos de nuestra vida diaria),
la instantaneidad y la promoción de la soledad.

En este abordaje buscaremos superar el diagnóstico individual de la relación de cada unx con las pantallas y encontrarnos en una discusión sobre la sociedad en la que vivimos. Con respecto a las responsabilidades, creemos que lo que estamos viviendo tiene que ver con una lógica de mercado y el rol del Estado para regularla en pos de nuestro bienestar. En el medio estamos nosotros, que sin prohibir la tecnología, podemos buscar comprenderla, problematizarla, y además potenciar sus usos
más interesantes y significativos.

En síntesis: mirar la tecnología como una puerta de entrada para pensar cómo vivimos y cómo queremos vivir. 

Producido por el área de Educación del Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado

LA MEMORIA DE LA COLECCION

el moderno en el parque

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / sábados y domingos de 11 a 17 hs.
hasta el 04 de octubre / Entrada libre y gratuita

A 50 años del golpe de Estado de 1976, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Parque de la Memoria presentarán una exposición que reúne obras históricas del patrimonio del Museo, creadas por artistas argentinos que denunciaron y resistieron desde el arte a la violencia del terrorismo de Estado.

Con curaduría de Nicolás Cuello (Museo Moderno) y Cecilia Nisembaum (Parque de la Memoria), la exposición reúne un importante conjunto de obras pertenecientes a la colección del Moderno, a partir de las cuales se reconstruye el entramado de prácticas artísticas producidas entre mediados de los años sesenta y comienzos de los ochenta que, frente a la violencia política, la censura, la persecución y la interrupción del orden
democrático, buscaron dar forma a las tensiones de uno de los períodos más traumáticos de la historia argentina.

A través de una multiplicidad de lenguajes artísticos, las obras incluidas en esta exposición dan cuenta del pensamiento crítico y de las estrategias creativas que llevó adelante la comunidad artística argentina para responder y denunciar la violencia perpetrada por el Estado. Así fue cómo, por medio de la representación fragmentada de la figura humana, la codificación del lenguaje, la capacidad evocativa de la abstracción y las prácticas conceptuales de vanguardia, los artistas buscaron elaborar los efectos sociales de la violencia política y, al mismo tiempo, promovieron lenguajes innovadores desde los cuales sostener espacios de libertad, imaginación y resistencia en contextos de creciente autoritarismo.

Curaduría:

Nicolás Cuello y Cecilia Nissembaum

Paulina Berlatzky, Oscar Bony, Silvia Brewda, Marcelo Brodsky, Juana Butler,
Juan José Cambre, Ricardo Carpani, Ricardo Carreira, Juan Carlos Castagnino, Elda
Cerrato, Jorge Demirjian, Mirtha Dermisache, Juana Elena Diz, Diana Dowek, Ana Eckell,
Sara Facio, León Ferrari, Norberto Gómez, Carlos Gorriarena, Víctor Grippo, Alberto
Heredia, Enio Iommi, Leandro Katz, Carlos Langone, Rómulo Macció, Josefina Mazzaglia,
Marta Minujín, Osvaldo Monzo, Luis Felipe Noé, Marie Orensanz, Duilio Pierri, Josefina
Quesada, Juan Carlos Romero, Gabriel Salomón, Juan Manuel Sánchez, Alejandro
Santamarina, Antonio Seguí, Carlos Ernesto Uría, Edgardo Antonio Vigo y Horacio Zabala.

LOS PRESENTES

instalación performática por Nicolás Varchausky

20.03.26 - 23.03.26 De 10 a 20 hs / Pianistas en vivo - De 18 a 20 hs

En el marco del 50o aniversario del golpe cívico-militar de 1976, el Parque de la Memoria, dependiente de la Dirección General de Derechos Humanos de la Ciudad de Buenos Aires, en colaboración con el Departamento de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Nacional de las Artes y el Programa de Investigación I+D Sistemas y Espacialidad en el Arte Sonoro radicado en la Escuela Universitaria de Artes de la Universidad Nacional de Quilmes, presentan Los Presentes, un proyecto concebido especialmente para esta fecha por el artista Nicolás Varchausky.

Desde el 20 hasta el 23 de marzo se llevará a cabo en el Parque de la Memoria una instalación performática en la que un piano híbrido acústico interpretará los nombres del Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado.
El artista asigna a cada una de las letras de los nombres del Monumento una nota específica del piano, componiendo así una partitura generada por múltiples correlaciones posibles. Los nombres se interpretan replicando su organización en el Monumento – por año y en orden alfabético – y extendiéndose al plano audible.
 
El público podrá visitar la instalación en cualquier momento entre las 10 y las 20 horas, en una suerte de vigilia colectiva durante la antesala del 24 de marzo. Al final de cada jornada, entre las 18 y las 20 horas, una serie de pianistas reemplazará a la máquina para interpretar la nómina en vivo.
 
Escuchar se vuelve así una manera de habitar la memoria en el tiempo, una invitación a permanecer, a acompañar con el oído y el cuerpo cómo los ausentes se vuelven fugazmente presentes. El tiempo de la obra se abre como un espacio de reflexión, donde la memoria no se fija como recuerdo clausurado sino que se renueva, nombre tras nombre, en el acto mismo de escuchar.
 
Desarrollo de software: Leandro Yabkowski. Asesoramiento instrumental y coordinación de pianistas: Malena Levin. Agradecimientos: Pablo Freiberg, Mariano Cura, Pablo Chimenti, AnTnA Red Sonora, Federico Cigliano, Esteban Insinger. Con el apoyo del Programa de Investigación I+D Sistemas y Espacialidad en el Arte Sonoro (EUdA-UNQ).

Nicolás Varchausky
Compositor, artista sonoro y docente-investigador. Realizó su doctorado en Digital Arts and Experimental Media (DXARTS-University of Washington, USA) y es Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ). Su producción artística incluye obras electroacústicas e instrumentales, performance, instalaciones, proyectos de archivo sonoro y sitio específico. Su obra investiga las relaciones posibles entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Dirige el sello de música experimental Inkilino Records y la galería de arte sonoro AnTnA junto a Julián Teubal. Ha realizado música original para teatro, danza y cine. Recibió la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica y la Beca IBERMÚSICAS; encargos del 48o Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt y el Festival Nueva Ópera Buenos Aires; y recientemente fue artista en residencia en la Cité des Arts de París. Trabaja actualmente como profesor de grado y posgrado en la UNQ y la Universidad Nacional Tres de Febrero. 

PIANISTAS

VIERNES 20
Haydée Schvartz
Silvina Di Cristófaro
Paula Shocrón
Lola Suarez
Santiago Torricelli
Paulino Cachizumba
Alejandro Labastía

SÁBADO 21
 Ernesto Jodos
 Melisa Sanfelippo
 Bruno Latella
 Rocío Gimenez López
 Caterina Scalise
 Camila Arata
 Marcelo Balat
 Malena Levin
 Laura Daian

DOMINGO 22
Inés Sabatini
Ludmila Buci
Anabel Loza Subia
Sebastián Gangi
Agustín Guzzo
Bruno Bresler
Agustín Campo
Leandro Rodriguez Jauregui

 

LUNES 23

 Silvia Dabul
 Iván Barraco
 Diego Schissi
 Adriana de los Santos
Joaquín Oriol
 Iván Martinovich
 Santiago Santero
 Malena Levin

SEÑORES JUECES, NUNCA MÁS

Del juicio a las Juntas Militares al presente

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / sábados, domingos y feriados de 11 a 18.00 hs.
hasta el 19 de abril de 2026 / Entrada libre y gratuita

A 40 años del Juicio a las Juntas Militares, el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado junto a Memoria Abierta presentan Señores Jueces, Nunca Más. Del juicio a las Juntas Militares al presente, una exhibición que aborda, desde una reflexión crítica y colectiva el modo en que la sociedad argentina enfrentó el desafío de reconstruir verdad y hacer justicia tras la dictadura cívico-militar. La muestra propone revisitar el Juicio no sólo como un hecho jurídico y político, sino como un acontecimiento ético, cultural y simbólico, cuyo impacto continúa modelando nuestra comprensión del pasado reciente.

El proceso de justicia iniciado con el Juicio a las Juntas Militares en 1985 no ha sido lineal ni sencillo. Es el resultado de un esfuerzo colectivo muy potente en el que los organismos de derechos humanos y los sobrevivientes tuvieron un rol fundamental. En este sentido, Señores Jueces, Nunca Más. Del juicio a las Juntas Militares al presente, invita a pensar el Juicio como parte de un proceso de justicia en construcciónque atravesó etapas de avance, retroceso e insistencia, y que encontró en la voz de las víctimas y en la perseverancia de los organismos de derechos humanos su fuerza más perdurable.

A través de documentos, archivos, testimonios, fotografías y obras de arte, la exposición busca, por un lado, reconstruir las resonancias visuales, discursivas y emocionales de aquel momento, y por el otro, profundizar el diálogo en el presente sobre la importancia y responsabilidad de mantener vivo el legado del Nunca Más, para promover la reflexión crítica y la transmisión intergeneracional en un contexto de nuevos desafíos democráticos. 

El Juicio a las Juntas Militares constituyó un acontecimiento fundacional para la democracia argentina y un hito sin precedentes en la historia mundial de los derechos humanos. Por primera vez, un país juzgó a los responsables de un régimen dictatorial desde su propio sistema judicial, afirmando la vigencia del Estado de derecho frente al terrorismo de Estado.

Señores Jueces, Nunca Más. Del juicio a las Juntas Militares al presente, es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Dirección General de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Memoria Abierta. Acompañan este proyecto las Embajadas de Francia, Suiza y Alemania.

Idea y realización

Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado y Memoria Abierta.

Eitan Abramovich, Rolando Andrade, Julian Athos, Víctor Basterra, Azul Blaseotto, Marcelo Brodsky, Cromoactivismo, Gerardo Dell’oro, Alejo Garganta Bermúdez, Carlos Gorriarena, Gac / Grupo De Arte Callejero, Nicole Liberman, Guillermo Loiácono, Eduardo Longoni, Gonzalo Martínez, Daniel Merle, Gustavo Molfino, Eloísa Molina, Daniel Muzio, Luis Felipe Noé, Margarita Paksa, Rodolfo Pera, Cristina Schiavi, Enrique Shore y Dani Yako.

Archivo Histórico de Revistas Argentinas (AhiRa), Archivo Madres de Plaza de Mayo – L.F, Archivo Nacional por la Memoria, Archivo Comisión Provincial por la Memoria, Archivo Provincial de la Memoria de Córdoba, Archivos Nacionales de Francia, Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Biblioteca del Congreso de la Nación, Biblioteca de la Legislatura Porteña, CEDINCI, Fototeca ARGRA, H.I.J.O.S. Capital, Memoria Abierta y Secretaría de Derechos Humanos de la Nación.

HAY CUERPOS

lAURA CASANOVAS

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / Sábados, domingos y feriados de 11 a 18.00.
Hasta el 19 de abril/ Entrada libre y gratuita

Hay cuerpos, con curaduría de Laura Casanovas, es una propuesta expositiva para el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, que indaga sobre las distintas posibilidades de existencia de los cuerpos, al mismo tiempo que busca desandar la construcción cultural de algunas asociaciones de significados para intentar aperturas y diálogos en un mundo que suele desestimarlos.

Las obras de Marina De Caro, Nushi Muntaabski, Ariadna Pastorini, Cristina Schiavi y Eugenia Streb indagan en formas y sensibilidades desde materiales capaces de modificar la usual asociación de lo blando con lo débil. Sus trabajos descubren fuerza en la “debilidad” multiplicando fisonomías placenteras, dramáticas, fantásticas y cuestionadoras. De esta manera, se pone de relieve la necesidad de otorgarles visibilidad en una época de violencias reales y virtuales generadoras y/o perpetuadoras de temores con incidencia directa en la corporalidad.

¿Cómo son esos cuerpos?, ¿qué atraviesan, padecen, postulan?, ¿resisten?, ¿proponen?, ¿Cómo se presentan y representan? La preeminencia de curvas y del textil, al cual se suman la cerámica, el dibujo y el video, amplifican percepciones. Los cuerpos se contorsionan, agrupan, fragmentan, aíslan, levantan. Y son coloridos planteándose otra modificación respecto de la relación frecuente entre cromatismo/júbilo y oscuridad/dolor. ¿Acaso la vida no se tiñe de variedad de tonos en el infortunio y en la alegría? La sangre es roja en los fluidos vitales y en los desgarros.

Decir “Hay Cuerpos” opera como una posición de reconocimiento de sus distintas vicisitudes en un tiempo y espacio de posthumanismo. Con el fin de abrir senderos, como los que demarcan las obras en la exposición, capaces de comprometernos y hacernos recordar que “todos los seres humanos están entrelazados en reciprocidad”.

Hay cuerpos es un proyecto producido por el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, dependiente de la Dirección General de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Curaduría:

Laura Casanovas.

Marina De Caro, Nushi Muntaabski, Ariadna Pastorini, Cristina Schiavi y Eugenia Streb.

ALGUNOS OFICIOS. ARTE, TRABAJO Y PRECARIEDAD EN ARGENTINA

Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs
hasta el 12 de octubre / Entrada libre y gratuita

Lo que vemos de la precariedad en las grandes urbes no es más que un muestrario perfecto de la convivencia de oficios antiguos y nuevos en el mercado laboral actual. Los trabajos no mueren, sólo cambian y se acumulan para profundizar la precarización y permitir una nueva forma de usufructuar las fuerzas de trabajo en un mundo donde el modelo de la fábrica está en extinción.

Con curaduría de Marcos Krämer, Algunos oficios. Arte, trabajo y precariedad en
Argentina, es una exhibición en la que se evidencian los trabajos, tareas y oficios más visiblemente precarios del sector urbano de la sociedad actual. Desde el cartoneo hasta el delivery por aplicaciones, atravesando actividades tan añejas como el trabajo textil, la venta informal y la construcción.

Aún más fragmentado y abstracto que antes, el universo del trabajo está cada vez más desenlazado del producto final y su proceso. La artesanía, en cambio, permite una confluencia donde el dominio de casi toda la cadena de producción, el conocimiento de la materia que se manipula, la relación estrecha entre oficio e identidad, la manualidad de su tarea y la colectivización de la actividad, confrontan al trabajo con el hacer en un sentido casi revolucionario.

Desde las últimas décadas, el trabajo artístico comenzó a compartir características con el trabajo doméstico: la autoexplotación, un salario que se plantea mayoritariamente como simbólico o emocional, y la desdefinición entre vida y trabajo como ejes estructurantes. En el mundo contemporáneo, esta pareja de trabajos conecta dos temporalidades distantes en la larga línea de tiempo de la explotación: desde el cuidado de las fuerzas de trabajo, característico del trabajo doméstico que se asentó como tal desde inicios del siglo XIX, hasta la producción de valor a través de signos, como en el trabajo artístico y cultural, emblema del trabajo inmaterial de estas décadas.

Algunos oficios. Arte, trabajo y precariedad en Argentina no es una muestra celebratoria del trabajo ni de “la clase obrera”. Es una propuesta que reúne un conjunto de imágenes sobre la forma en que los trabajos precarizan la vida, para que creemos alianzas firmes que cambien el paradigma del sacrificio para siempre.

Algunos oficios. Arte, trabajo y precariedad en Argentina es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Dirección General de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Curaduría:

Marcos Krämer

Azul Blaseotto, Adriana Bustos, Aimé Pastorino, Alfredo Dufour, Ana Gallardo, Artistas
Visuales Autoconvocades, Damián Crubellati, Emiliano Miliyo, Fátima Pecci Carou, Flavia
da Rin, Florencia Sadir, Julián D’Angiolillo, Lucas Tibaldi, Lucía Reissig, Mantera Galería.

María Candelaria Traverso, Mariana López, Mariano Combi, Mabel Temporelli, Marisol San
Jorge, Rodolfo Marqués, Santiago Poggio, Roxana Ramos, Sandro Pereira y Totoreros.

LA IMAGEN ABIERTA

HERNÁN CAMOLETTO

Martes a domingos y feriados de 11 a 17 hs
hasta el 12 de octubre / Entrada libre y gratuita

La imagen abierta de Hernán Camoletto, es una propuesta expositiva para el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, que indaga sobre el modo en el que los seres humanos se relacionan y construyen redes afectivas en un contexto social en el que abunda un individualismo salvaje.

Lejos de sostener una visión pesimista, Camoletto intenta unir y re-unir las piezas de lo fracturado para transformar el presente. Una invitación a pensar en torno a la idea y la posibilidad de imaginar nuevas formas de construir comunidad.

A partir del dibujo, la pintura, la instalación y la performance, el artista explora la relación entre imagen y palabra, la muerte, la memoria y los posibles cruces entre lo individual y lo colectivo. En su práctica artística emplea técnicas y recursos específicos como la superposición, la repetición y la combinación de diversas materialidades, para generar así diferentes texturas que habilitan múltiples capas de sentido que se despliegan a lo largo del recorrido de la exposición.

En La imagen abierta, Camoletto utiliza un motivo iconográfico tradicional de la historia del arte: el florero. Este elemento aparece como metáfora de las sociedades actuales, como una especie de juego de binomios contrapuestos: la belleza de las flores y su propia degradación y descomposición; lo natural versus lo manufacturado, la ofrenda versus la ornamentación.

Los dibujos del artista de gran formato provienen de ramos armados por amigos, luego fotografiados y enviados al artista. Cada florero es una reinterpretación de la unión de esos arreglos compuestos por distintos autores. Estos ramos, que surgen de diferentes singularidades, son una suerte de traducción de lo que cada quien hizo a partir de su propio deseo, armando así un nuevo florero “colectivo”, donde se reúne y teje una red afectiva, a modo de comunidad.

Las piezas también comparten el espacio con la instalación de sitio específico titulada Ensamble, que entabla un particular diálogo con el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado. Esta obra surge de una investigación sobre Los muertos del Magdalena en Colombia.

La imagen abierta es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Dirección General de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. 

Curaduría:

Cecilia Nisemaum

EN EL ESPEJO DE UNA ODISEA

Diana dowek

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / sábados, domingos y feriados de 11 a 18 hs.
hasta el 18 de mayo de 2025 / Entrada libre y gratuita

Diana Dowek ha hecho suya la famosa frase de Bertolt Brecht: “¿En los tiempos sombríos, se cantará también? También se cantará acerca de los tiempos sombríos”.

Con una trayectoria artística en la que su obra ha sido inseparable de su compromiso ético y político, En el espejo de una odisea, se despliega una conmovedora narración pictórica de la crisis humanitaria de los refugiados y desplazados contemporáneos: la guerra en Ucrania, los conflictos en Afganistán, Sudán, Pakistán, Siria, Gaza y las migraciones latinoamericanas y los desalojos en la provincia de Buenos Aires, son las diferentes geografías que Dowek pinta, desde un espacio de tránsito hacia otra posible realidad.

Las crisis migratorias son para Dowek un síntoma del profundo malestar de nuestra cultura. Según el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), hacia mayo de 2024, más de 120 millones de personas en todo el mundo fueron desplazadas forzosamente de sus hogares debido a conflictos armados, persecución, sequías, inundaciones y demás violaciones masivas a los derechos humanos. El desarraigo, la alteración de lazos familiares y sociales, la pobreza y el hambre, son las consecuencias de esta realidad que enfrentan las personas desalojadas.

Dowek construye En el espejo de una odisea, ciertos encuadres y secuencias narrativas en dípticos y en trípticos. El espíritu de la esperanza en la condición humana está presente en la serie “Las Patronas”, un grupo de mujeres del Estado de Veracruz en México, que diariamente alimentan a los migrantes centroamericanos que viajan clandestinos en los trenes de carga con la ilusión de cruzar la frontera hacia los Estados Unidos.

La artista siempre buscó documentar críticamente la realidad histórica a través de su pintura. En los años setenta y ochenta, en plena dictadura cívico-militar, Dowek apelaba a los recursos retóricos de la metáfora para aludir a la brutalidad innombrable de la represión. En esa época surgieron “Alambrados” y “Espejos retrovisores”, obras cuyos significados se escabullían de manera elíptica y solapada. Hacia 2001, la artista comenzó a desarrollar referencias más claras y directas de la realidad a través de pinturas que parten de fotografías periodísticas e imágenes de prensa que guardan siempre un sustrato de veracidad.

En el espejo de una odisea es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Derechos Humanos del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Curaduría

Florencia Battiti y Cecilia Nisembaum

LEÓN FERRARI. BRASIL 1976 - 1991

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / sábados, domingos y feriados de 11 a 18 hs.
hasta el 18 de mayo de 2025 / Entrada libre y gratuita

La exposición León Ferrari. Brasil 1976-1991 aborda la figura del artista en sus quince años de exilio en la ciudad de San Pablo. La muestra se enfoca en las obras que León Ferrari creó en ese contexto donde la experimentación, el vínculo con artistas brasileños y la incorporación de nuevas técnicas generó una diversidad de obras que incluyen dibujos, esculturas, grabados, fotografías, heliografías, xerocopias, collages y libros de artista.

Además de incluir material documental del archivo del artista nunca expuesto en Argentina, la exhibición comprende la producción artística de León Ferrari durante su exilio en Brasil, así como un espacio dedicado a su hijo Ariel, desaparecido en 1977. Dicho trabajo, que se llevó adelante con material del Centro de Estudios Legales y Sociales (CELS) en el año 2020, da cuenta de otra de las facetas del artista: la del intenso activismo y las estrategias que implementó para buscar a su hijo.

Al referirse a la muestra, la curadora Andrea Wain indica que “León Ferrari en el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado significa mucho más que una exposición de un artista, también es un intento por dar cuenta de la compleja trama entre el arte, la vida y la política de una figura que con sus acciones puede, aún hoy, inspirar luchas en el presente y ser un faro de aprendizaje, reflexión y justicia en el futuro”.

En la selección expuesta en el Parque de la Memoria se prioriza material documental del archivo del artista, contemplando su valor inédito y contextual, que complementa la selección de obras al exponer desde otra perspectiva reflexiones, temáticas, miedos, ideas y vínculos que a través de cartas y fotografías cristalizan el sentimiento del exilio y las preocupaciones y desarraigos que esa vivencia selló en miles de argentinos.

Ferrari fue un artista autodidacta, plenamente permeable a nuevas técnicas, temáticas y disciplinas. Podía trabajar apasionadamente con tinta china y acero inoxidable al igual que con excrementos de aves. En algunas entrevistas se ha referido a aquellos años de exilio como “una época de mucha experimentación e incorporación de otros medios: el Letraset, la fotocopia, el grabado, el sello, la heliografía, el arte postal, los planos y la arquitectura”.

La libertad creativa y el contacto con importantes artistas de la escena paulista, sobre todo con aquellos ligados a prácticas no convencionales del arte, fueron factores determinantes para producir obras con elementos y procedimientos nuevos, además de continuar la realización de dibujos y retomar la producción de esculturas abstractas.

El Parque de la Memoria agradece la invalorable colaboración de la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA). Paralelamente a la inauguración de León Ferrari. Brasil 1976-1991 presentamos la restauración y la puesta en valor de “A los derechos humanos”, la escultura realizada por el artista en 2011 que se encuentra emplazada en el Parque de la Memoria.

León Ferrari. Brasil 1976-1991 es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Derechos Humanos del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

SALÓN DE NOCHE

fRANCISCO MEDAIL

Martes a viernes de 11 a 17 hs. / sábados, domingos y feriados de 11 a 18 hs.
hasta el 18 de mayo del 2025 / Entrada libre y gratuita

Ideada como instalación de sitio específico para el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, la muestra Salón de noche del artista Francisco Medail, presenta una selección de fotografías participantes del Gran Premio Cóndor de Honor, organizado por la Federación Argentina de Fotografía (FAF) entre 1976 y 1983.

Salón de noche es una reflexión sobre la capacidad de la fotografía de construir (otra) realidad. Un recorrido por imágenes presuntamente inofensivas, vigiladas por un gran cóndor que remite tanto al trofeo del Salón como al plan impulsado por Estados Unidos en toda la región.

Durante la última dictadura cívico-militar en la Argentina, las prácticas artísticas estuvieron atravesadas por la censura, la confiscación de obras, el cierre de espacios y la persecución y desaparición de artistas. Muchos de ellos se vieron obligados a exiliarse del país, mientras otros intentaron combatir el régimen a través de eventos clandestinos y obras de denuncia. Desde el ámbito de la fotografía, a comienzos de la década del sesenta, los fotoclubes habían hegemonizado la práctica amateur a través de concursos, normativas y rankings anuales. Además de expandir la fotografía artística hacia nuevos sectores de la sociedad, estos espacios regularon durante décadas el criterio estético de esas producciones.

Todos los fotoclubes estaban afiliados a la Federación Argentina de Fotografía (FAF), órgano encargado de centralizar la organización y representación de la práctica fotoclubista en el país. La FAF implementó en 1959 su Salón Anual de la Fotografía, cuyo máximo galardón se denominaba Gran Premio Cóndor de Honor, en referencia al ave representada en el logotipo de la institución. Fue a partir del golpe militar y también por la falta de alternativas, que el Salón Anual de la FAF ofició como epicentro de la fotografía argentina.

El Salón Anual de la FAF se convertía así en un espacio que parecía desentenderse de su contexto político y social. Mientras otros ámbitos artísticos eran objeto de censura, aquí la intervención militar no fue necesaria. Por el contrario, existieron fotoclubes que nucleaban al personal de la marina, la aeronáutica y la policía que participaron regularmente del Salón. Da cuenta de ello el caso de Orlando González, suboficial de la Armada y ganador del Gran Cóndor de Honor en 1979 y 1981, actualmente condenado a prisión perpetua por delitos de lesa humanidad.

Esta exhibición es posible gracias al importante apoyo de Daniela Gutiérrez, Eduardo Lerner, Marisol Miguel y Ricardo Maidana.

Salón de noche es un proyecto producido por el Parque de la Memoria, dependiente de la Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Derechos Humanos del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Artista: Francisco Medail